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Cultura

Así es la iglesia sepultada en México por un volcán

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En Michoacán se encuentra la iglesia de San Juan Parangaricutiro, la cual fue sepultada parcialmente por la erupción del volcán Paricutín; sin embargo, el pueblo no corrió con la misma suerte.

Fue hace 78 años, cuando la erupción que marcó el nacimiento del volcán Paricutín, el 20 de febrero de 1943, se convirtió en un hecho de relevancia nacional e internacional por ser uno de los volcanes más jóvenes del mundo. Su impacto atrajo la atención de expertos en vulcanología, científicos, artistas, cineastas y escritores.

En ese entonces, fueron evacuados todos los habitantes de San Juan Parangaricutiro, antes de que la lava del recién nacido volcán causara víctimas humanas. Tras su estallido, se pensó que todo iba a quedar sepultado en la lava y la piedra volcánica; sin embargo, cuando el Paricutín surgió con furia de las entrañas de la tierra, sólo le perdonó la vida a esta iglesia que se alza ahora entre un mar de lava negra petrificada

El volcán creció hasta alcanzar los 423 metros de altura, estuvo activo durante nueve años y su lava se extendió 10 kilómetros a la redonda. La prensa internacional dijo en ese entonces: “El volcán más joven del planeta está en México”

A pesar de que el volcán Paricutín arrasó con los pueblitos de Michoacán a las orillas de su falda, una iglesia no cedió del todo: se trata de la construcción del siglo XVIII conocida como el templo del Señor de los Milagros.

Su torre izquierda, sus muros posteriores y el altar resistieron de forma estoica la furia del volcán Paricutín. De esta forma, México cuenta con su propia versión de Pompeya en el estado de Michoacán, donde parte de la estructura de esta iglesia marca el sitio donde se encontraba el pueblo de San Juan Parangaricutiro.

El sitio es muy visitado por turistas que admiran un paisaje que pareciera de otro mundo, a excepción de los restos de esta iglesia, de la que sobrevive también el campanario, parte de la fachada y un nicho al que los fieles aún acuden a orar y colocar veladoras.

Cultura

Día de las Madre en México: 10 de mayo

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México.- El 10 de mayo es una fecha que año con año los mexicanos celebramos para festejar a nuestras madres ya sea que tengamos la fortuna de aún tenerla con vida o haciendo memoria de los momentos que pasamos a su lado.

En este importante día podemos honrar al ser que nos dio la vida y hacer de él un maravilloso comento lleno de detalles y regalos.

Foto: Revista Compensar

Este 10 de mayo cae en lunes y a pesar de que seguimos en pandemia a causa del Covid-19, podemos celebrar con responsabilidad a la madre, es por eso que te decimos por qué se festeja el 10 de mayo en México y cómo celebrarles con frases este 2021.

¿Por qué el Día de las Madres se festeja el 10 de mayo en México?
México es de los pocos países en donde el Día de las Madres se celebra un mismo día, es el 10 de mayo. Se festeja este día desde 1916, cuando un grupo de mujeres comenzaron a impulsar la planificación familiar y existen versiones de que fue una reacción al movimiento feminista que se originaba en Yucatán.

Foto: Mercado de Ermitagaña

En países como España se festeja el primer domingo de mayo y en la mayoría de países americanos (Brasil, Canadá, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, Estados Unidos, Perú, Puerto Rico, Uruguay y Venezuela) es el segundo domingo del quinto mes del calendario.

10 Frases para dedicar a mamá, previo, durante y después del 10 de mayo

  • De todos los regalos que la vida tiene que dar, una buena madre es el más grande de todos.
  • El amor incondicional no es un mito: lo puedes observar todos los días en las madres.
  • Mamá se escribe con ‘M’ de mujer maravilla.
  • Dios no podía estar en todas partes a la vez, y por eso creó a las madres.
  • Mamá, contigo cada día es único.
  • Dios no podía estar en todas partes a la vez, y por eso creó a las madres.
  • Una buena madre vale por cien maestros.
  • Las palabras de ánimo de una madre pueden ser la fundación en la que se construye la grandeza.
  • De todos los derechos de una mujer, el más grande es ser una madre.
  • Madre, cuando tus pensamientos están en nuestros corazones, nunca estamos lejos de casa.

Con información de Marca

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Cultura

Batalla de Puebla: 5 de mayo

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México.– Una de las fechas importantes dentro de la historia de México es sin duda el 5 de mayo, esto se remonta al año 1862, cuando el ejército mexicano dirigido por Ignacio Zaragoza, y el ejército francés tuvieron un enfrentamiento armado al cual se le dio el nombre de Batalla de Puebla, la cual formó parte de la Segunda Intervención Francesa en México.

La razón de este conflicto fue por la deuda de 80 millones de pesos por la Guerra de Reforma que México tenía con Inglaterra, España y Francia. La importancia de este acontecimiento fue tal, que en países como Estados Unidos muchas personas creen erróneamente que el 5 de mayo se celebra la Independencia de México. Por esa razón aquí te contamos qué fue lo que realmente ocurrió ese histórico día.

Foto: México Desconocido

A pesar de que el gobierno de Benito Juárez logró un acuerdo diplomático con España e Inglaterra, durante las negociaciones llegó un contingente militar francés bajo el mando de Charles Ferdinand Latrille, conde de Lorencez, que luego atacaría la ciudad de Puebla con cinco mil tropas.

¿Por qué ocurrió la Batalla de Puebla?
Juárez sabía que era imposible evitar un conflicto con Francia, por lo que ordenó la fortificación de Puebla para proteger la Ciudad de México. Para ello, creó el Ejército de Oriente que estaba a cargo del general Ignacio Zaragoza.

Las fuerzas de Zaragoza contaba con aproximadamente dos mil hombres, de los cuales muchos eran indígenas y guerreros de ascendencia mixta sin experiencia militar.

Foto: Spanish Institute of Puebla

La batalla, que duró poco más de cinco horas, resultó en una defensa exitosa por parte del ejército mexicano que, a pesar de estar fuertemente superado en números y preparación, lograron replegar a las fuerzas invasoras francesas que terminaron con 500 bajas.

Este enfrentamiento es considerado como uno de las mayores victorias del ejército mexicano, al haber derrotado con fuerzas inferiores a uno de los ejércitos más importantes del mundo.

Con información de Milenio

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Cultura

Conoce las obras más importantes de Leonardo Da Vinci

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México.– Sin duda alguna la obra de la Mona Lisa también conocida como la Gioconda, es una de las pinturas más destacadas de Leonardo Da Vinci, es catalogada como un ícono del arte, muy resguardada y valorada. Pero, cabe resaltar que no sólo esta es la obra más importante del afamado artista, hoy te vamos a presentar otras que son muy relevantes.

Uno de los intereses centrales de Leonardo da Vinci fue crear personajes ambiguos: que dijeran sin decir, que mostraran por lo bajo. Quizá haya sido por esto que las sonrisas de sus personajes estaban ahí, escondidas detrás de un gesto que de entrada no da la bienvenida, o que sus miradas estuviesen veladas con intenciones desconocidas. Si bien es cierto que fue un hombre dedicado al arte, puede decirse también fácilmente que dedicó su vida al análisis del ser humano y de su entorno natural. Su legado es multidireccional, puesto que apunta a diversas áreas del conocimiento con profundidad y certeza: en cada una certero, en cada una innovador, en cada una, Leonardo.

El hombre de Vitruvio (1490)
Conocido también como Estudio de las proporciones ideales del ser humano, fue inspirado en un estudio realizado originalmente por el arquitecto Marco Vitruvio Polión sobre la relación de las proporciones humanas con el estudio de la geometría, por lo que heredó su nombre a perpetuidad. De manera general, representa el equilibrio perfecto del cuerpo humano, con anotaciones al margen originales del autor.

Hombre fiel al Alto Renacimiento Italiano, Da Vinci hace un ensayo de la corriente antropocentrista, que sostiene que el centro del Universo es el hombre: la criatura predilecta de Dios, a quien hizo «a su imagen y semejanza». Sin embargo, dejando de lado el origen divino del ser humano, lo que predomina en la composición del dibujo es el afán cientificista de la obra de Leonardo da Vinci. Todo apunta a la perfección anatómica del ser humano, que supera, según esta corriente del pensamiento, a cualquier otro mecanismo natural o animal de la Creación.

Foto: El Imparcial

Lo interesante de este dibujo en tinta, sin duda, es la permanencia que ha tenido en el tiempo. Además de convertirse en uno de los íconos fundamentales del pensamiento antropocéntrico —así como del Renacimiento italiano en general e incluso de la Historia del Arte—, lo cierto es que llama la atención que se haya conservado tan bien estando en uno de los diarios personales del autor. Tiene reminiscencias del pensamiento griego en tanto que guarda un cuidado milimétrico por las formas ideales, pero destaca aún más el interés casi obsesivo por las medidas y proporciones del cuerpo.

Aportaciones científicas y dibujos anatómicos
Es bien sabido que Leonardo se interesó por distintos campos del quehacer humano, y que en cada uno tuvo aportaciones importantes. Como se mencionó anteriormente, Da Vinci tenía un gusto particular por guardar cuadernos con sus anotaciones de interés general, llevó varios diarios en los que escribía sobre sus inventos científicos y aportaciones arquitectónicas, así como distintos dibujos explicando la naturaleza de los embarazos, del corazón y del funcionamiento de los músculos.

Desde la invención de la bicicleta, la implementación de la servilleta en la mesa y recetas de cocina, hasta la creación de máquinas de guerra poderosas, este artista italiano llevó un seguimiento minucioso en papel de todo aquello que le llamaba la atención, y en lo que ocupaba gran parte de su tiempo.

Foto: Cultura Colectiva

Además del interés profundo que Leonardo mostraba por las ciencias duras, es indiscutible que tenía una fascinación particular por la estética de lo grotesco. En varios de sus bocetos se aprecian mujeres hombrunas, o ancianos de perfiles exagerados; sin embargo, en el otro extremo están rostros de mujeres ejecutados con exquisitez en tinta, lo cual demuestra la gran gama de posibilidades de realización de bocetos que el artista dominaba. En estos registros personales es evidente cómo el artista empieza a jugar con su estilo esfumado, y con rasgos específicos en los rostros que caracterizan a su obra en general.

La virgen de las rocas (1483-1486)
La composición muestra a la Virgen María, con un Jesús recién nacido siendo adorados por Juan el Bautista, identificable por tener las manitas juntas a manera de oración y el halo que le rodea la cabeza. Si bien, las representaciones de esta reunión entre Juan y la sagrada familia eran muy comunes en la Florencia renacentista por ser el santo patrón de la zona, este es un pasaje que no se encuentra en la Biblia.

Foto: Le Miau Noir

Este óleo sobre madera introduce por primera vez un fondo rocoso a la escena, que se acostumbraba pintar como habiendo sucedido en una cueva; lo cual le dio su inusual nombre de La virgen de las rocas. La identidad del ángel en el extremo derecho ha dado pie a controversia, dado que aparece en la descripción dentro del Louvre como Uriel, de acuerdo con la leyenda original de este encuentro, pero como Gabriel en el sitio web del museo, pues así es identificado en el evangelio apócrifo de Juan el Bautista.

La última cena (1498)
Siguiendo la línea de escenas bíblicas, Ludovico Sforza le pidió a Da Vinci que realizara un mural al fresco para el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie, nuevamente en Milán. Es una de las obras de mayor formato del artista italiano, y rompe con la manera tradicional de trabajar el fresco: en lugar de hacer la preparación acostumbrada, es un mural de 880 x 460 cm ejecutado al temple y en óleo sobre yeso, lo cual ha traído serios problemas de conservación debido a la humedad de la construcción.

De la obra resalta la diversidad de formas y el dinamismo con el que están dotadas, lo cual muestra las diferencia claramente las unas de las otras. El artista pretendía proyectar la reacción de los apóstoles al momento en que Jesús afirma que alguno de ellos lo entregará ante las autoridades romanas, y los discípulos se desviven por saber quién de ellos traicionaría al maestro.

Foto: Cultura Genial

La escena divide a los personajes en grupos de tres para simbolizar la trinidad, sagrada para el cristianismo, pero también puede interpretarse a partir de la secuencia Fibbonacci: una mesa, una figura central, dos paredes, figuras agrupadas en tres, cinco grupos de figuras, ocho patas en la mesa y trece figuras en total. Los personajes no son pesados a pesar de llevar ropas densas encima, y en sus expresiones se muestra una calma extraña.

Salvator mundi (1500)
En la iconografía cristiana, que Jesús tenga una mano levantada con dos dedos arriba significa que está dando una bendición al espectador. Tal es la disposición de la figura que muestra esta obra, mientras que en la otra sostiene una esfera de cristal, que representa al mundo y a la ‘esfera celestial’. De aquí que se interprete como Cristo, el salvador del mundo.

Lo que resulta verdaderamente interesante de esta pintura es que se consideró perdida hasta 2005, cuando Robert Simon, un especialista en arte antiguo la adquirió por menos de diez mil dólares en una subasta en Nueva Orleans, la obra había sido repintada tantas veces que parecía una copia de mala calidad. Después de varios procesos de restauración, fue autenticada como el original por la Universidad de Nueva York y exhibida en la National Gallery. En noviembre de 2017 fue vendida en una subasta en Christie’s por 450.3 millones de dólares, hasta ahora el récord a la obra más cara que se ha comprado en toda la historia del mercado del Arte.

Foto: Wikimedia Commons

Recientemente esta obra ha estado en medio de una gran polémica que pone en duda la autoría de Da Vinci ante esta obra.

Anunciación (1472-1475)
Este es uno de los pocos trabajos sobrevivientes de la juventud de Da Vinci, realizado como un encargo cuando era aprendiz en el taller de Andrea del Verrocchio, de manera que al principio la obra se atribuyó a Domenico Ghirlandaio, otro de los aprendices.

Foto: Slobidka

Sin embargo, los dibujos preparativos de la figura del ángel fueron reconocidos como el trabajo de Da Vinci; Verrocchio usaba trazos pesados y pintura con base plomo, mientras da Vinci usaba pinceladas más delicadas y pintura sin plomo, por lo cual al realizar radiografías a la obra, los trazos de Verrocchio eran obvios y el ángel de da Vinci era prácticamente invisible.

San Juan Bautista (1508-1513)
Posiblemente la última pintura de Da Vinci, la sonrisa de este San Juan Bautista recuerda a la de la Mona Lisa, mientras su dedo índice apunta hacia arriba, un gesto enigmático que el artista usa también en La última cena y el bosquejo en carboncillo de otra escena de Juan el Bautista en la que está acompañado de la Virgen María, Jesús como niño y Santa Ana.

Foto: WikiArt

San Juan Bautista es una de las obras más controversiales de Da Vinci por el efecto andrógino del claroscuro, que magnifica la ambigüedad entre cuerpo y espíritu, aunque también ha sido señalado por algunos como la confirmación de la homosexualidad de Da Vinci.

La mujer del armiño (1490)
Retrato de Cecilia Gallerani, la amante de uno de los duques más importantes de Milán: Ludovico Sforza. El mecenazgo fue uno de los ejes más importantes de su vida, por lo que se le critica históricamente por estar al servicio de las familias más corruptas de la época, particularmente de los Medici. Sin embargo, esta mujer fue una amiga cercana suya, a pesar de los intereses económicos y las relaciones políticas que el artista guardó en vida.

Foto: El Heraldo

El animal que lleva entre brazos, un armiño, simboliza la realeza italiana, y está retratada en tres cuartos de perfil que, para la época, ciertamente era innovador.

Con información de Cultura Colectiva

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