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Vida y estilo

El Museo de la Moda de París ensalzó a Frida Kahlo, quien usó la ropa para definir su identidad y reafirmarse

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París.– Fue una de las artistas más influyentes y reconocidas del siglo XX y, años después de su muerte, la mexicana Frida Kahlo pasó a convertirse en un icono que traspasó su época. Por ello, el Museo de la Moda de París ensalza ahora a la creadora, que de forma pionera uso la ropa para definir su identidad y reafirmarse.

“Frida Kahlo, más allá de los clichés“, abierta al público del 15 de septiembre al 31 de diciembre, exhibe más de 200 objetos procedentes de la colección personal de la artista, descubierta en La Casa Azul en 2004. Y, como centro neurálgico de la Historia de la Moda, el llamado Palais Galliera profundiza por primera vez en sus relaciones con la ropa.

«La importancia de la prenda para construirnos, para expresarnos, es absolutamente relevante y pertinente, y son mensajes que queremos transmitir aquí, como el impacto de esta mujer extraordinaria, que se ha convertido en un icono de moda”, destaca en la presentación de la exposición la directora del Galliera, Miren Arzalluz.

Comisariada por la mexicana Circe Henestrosa, directora de la escuela de moda Lasalle College of Arts de Singapur, la muestra defiende a través de prendas, cartas, accesorios, medicamentos e incluso prótesis médicas que Kahlo no fue únicamente una víctima de la enfermedad y la tragedia, como la dibujaban los primeros grandes estudios sobre ella en los años 1980.

«Sí sufrió, mucho. No vamos a negarlo. Pero vivió una vida intensa y plena y no dejó que sus discapacidades la definieran. Ella se definió a sí misma poniendo su cuerpo al servicio del arte y expresando el sufrimiento de forma creativa”, señala Henestrosa.

Para la comisaria, la apariencia de Kahlo fue su forma de manifestar sus preocupaciones políticas e identitarias, un ejemplo que puede ser un motor de creación e inspiración para las nuevas generaciones que hoy se acerquen a su obra.

De hecho, Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón, nacida en 1907 en Coyoacán, hija de una mestiza de origen español e indígena de la región de Oaxaca e hija de un migrante alemán, llegó a la pintura a través del sufrimiento.

Con seis años, la polio le dejó una pierna más corta que otra y a los 18 un terrible accidente de tráfico la dejó postrada, obligándola a sufrir durante toda su vida un sinfín de operaciones quirúrgicas para tratar de aliviar los dolores y problemas de la columna vertebral.

Empezó entonces a pintar, desde su cama del hospital, despidiéndose para siempre de su aspiración de ser médico.

La moda como objeto de autoconstrucción
Aunque durante años se decía que usaba vestimenta típica porque a su pareja, el pintor Diego Rivera, le gustaba, lo cierto es que Kahlo empezó a utilizar vestidos largos a los 20 años para ocultar sus problemas de salud.

Después, se sumó a los llamamientos de las autoridades mexicanas tras la Revolución que sacudió el país durante una década, que acabó en 1920, para adaptar aquel estilo de las matriarcas Tehuanas como forma de reivindicar su “mexicanidad”.

«Frida Kahlo perdura porque pudo romper muchos tabúes acerca de la experiencia del cuerpo femenino, de lo que significa vivir con un cuerpo discapacitado y usar la creatividad para sentirse mejor”, defiende Henestrosa.

La comisaria cree que Kahlo es un ejemplo de fuerza, resistencia y libertad para el público que hoy descubra a la artista y vea cómo celebró sus raíces, su aspecto, una libertad sexual que la llevó a tener amantes tanto hombres como mujeres.

La exposición es una adaptación de las colecciones del Museo Frida Kahlo que ya han pasado por grandes ciudades como San Francisco o Londres, pero es la primera que presta tanta atención a la moda como objeto de construcción personal y a su paso por Europa y su contacto con los surrealistas en Francia.

Como toque propio, París añade a la muestra creaciones de grandes diseñadores contemporáneos como Alexander McQueen; Jean-Paul Gaultier; Chanel; Maria Grazia Chiuri, en Dior, o Riccardo Tisci, en Givenchy, que bebieron, directa o indirectamente, de la inagotable fuente de estilo e inspiración que fue Frida Kahlo.

Con información de EFE, por María D. Valderrama

Vida y estilo

Big Ben, luce como nueva tras su restauración para seguir con 160 años de puntualidad inglesa

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Reino Unido.- La torre de Isabel, conocida universalmente como Big Ben, luce como nueva tras su restauración para seguir sus más de 160 años marcando el tiempo a los londinenses con la puntualidad de la ingeniería victoriana, como comprobó EFE en una visita exclusiva a sus entrañas.

Con casi cien metros de altura y unas esferas del tamaño de un autobús de dos pisos, su belleza y su característico sonido vuelven ahora a cautivar la mirada de transeúntes y cámaras después de cinco años de una cuidadosa restauración.

Estamos muy orgullosos de lo que hemos logrado”, resalta a EFE Ian Westworth, el relojero oficial del Gran Reloj en la sala de máquinas de la emblemática torre londinense, Patrimonio de la Humanidad.

Westworth y su equipo se encargan de que ‘Big Ben’ -el nombre que recibió originalmente la campana mayor- despierte de su letargo a cada hora en punto, mientras que sus cuatro hermanas repican cada cuarto.

“Cuatro toques a y cuarto; ocho, a y media; doce, a menos cuarto y dieciséis justo antes de la hora”, detalla el vigilante del reloj.

Delicadeza victoriana
Los relojeros juegan con pesos para marcar la hora exacta desde 1859: “Utilizamos monedas de penique antiguas; colocándolas en el péndulo aceleran el reloj en dos quintos de segundo cada veinticuatro horas”, revela Westworth.

Si la hora se retrasa, coloca un penique; si se adelanta, a la inversa. “Así es como regulamos el tiempo”, afirma el relojero, cuya referencia es siempre el primer tañido de Big Ben.

El artefacto es casi capaz de autorregularse gracias al que fue el primer mecanismo de escape doble de gravedad del mundo, que aísla al péndulo de agentes externos.

Todo tipo de cosas afectan al reloj: el tiempo fuera, el día y la noche, las mareas (del Támesis), hasta la visita de la gente (…); pequeños ajustes que sin corregirlos cada día serían un problema para nosotros.”, dice su custodio.

Al otro lado, se encuentran las esferas que flanquean la torre por sus cuatro costados: “Podrías conducir un autobús de dos pisos por aquí”, bromea Westworth respecto a su tamaño.

Su dimensión es tal que sus dos manecillas, minutero y hora, llegan a los cinco y tres metros respectivamente.

Sus 324 paneles artesanales de vidrio translúcido, listos para su iluminación led nocturna, “siguen una plantilla para asegurarse de que cada pieza encaje exactamente”, agrega.

Hace siglo y medio no había electricidad para iluminar el reloj, así que “el ‘sereno’ de la torre subía, encendía las lámparas de gas, permanecía toda la noche vigilando que estuvieran encendidas y no causaran explosión alguna”.

A su majestad, Isabel
En sus 165 años nunca dispuso de un nombre oficial, hasta 2012, cuando la construcción recibió “el honor y el privilegio de ser llamada Torre de Isabel, en honor a la difunta reina”, explica Westworth.

En aquel año el Reino Unido celebraba el Jubileo de Diamantes, los sesenta años de reinado de su querida Isabel II (1926-2022).

De esta forma, el Palacio de Westminster, sede del Parlamento británico, está custodiado por dos de sus más longevas reinas: en el sur, la Torre de Victoria (1837-1901) y al norte, Isabel.

«La torre lleva el nombre de la reina, aunque ella nunca llegó a visitarla -revela Westworth-. Otros miembros de la familia real, sí, pero la reina, nunca. Una lástima, creo que le hubieran gustado las vistas”.

Desde lo más alto de la torre, tras 334 escalones de piedra, se atisba el cauce infinito del Támesis, la gran noria London Eye o el Palacio de Buckingham.

“Es un privilegio disfrutar el trabajo que tengo”, afirma su guardián durante las últimas dos décadas, quien confía “en unos años, en pasar el testigo a la siguiente generación para su cuidado, con suerte, para los próximos 160 años”.

Con información de EFE

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Clive Palmer anunció un plan, el tercero en una década, para construir una réplica del Titanic

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Australia.- El excéntrico millonario australiano Clive Palmer anunció un plan, el tercero en una década, para construir una réplica del Titanic, el mítico transatlántico británico que se hundió durante su viaje inaugural en 1912.

El magnate minero, quien abrió en 2013 un enorme parque con réplicas de gigantesco dinosaurios animatrónicos en su propiedad del estado nororiental de Queensland, afirmó que si bien el Titanic II tendrá el mismo diseño interior y de cabina que el original, su sistema de seguridad será moderno y su tecnología del siglo 21.

Foto: MX Político

“Será el barco del amor y lo último en estilo y lujo”, afirmó Palmer, según declaraciones recogidas por la televisión australiana Channel 9.

La réplica del Titanic, que será gestionada por la empresa de cruceros Blue Star Line, pretende “ofrecer a los pasajeros un viaje en el tiempo sin parangón, sumergiéndoles de lleno en la opulencia y el esplendor de la vida a bordo del Titanic original”, precisó.

El barco de 269 metros de eslora podrá transportar a unos 2 mil 435 pasajeros en sus nueve niveles, que incluyen cabinas y comedores lujosos, piscinas, salón de baile y casino, entre otras comodidades.

Anteriormente, Palmer intentó lanzar el proyecto del Titanic en los años 2012 y 2018, aunque en ambas ocasiones se paralizaron las iniciativas por problemas de financiación, mientras que el actual proyecto no cuenta con una fecha para el inicio de operaciones.

Foto: El Progreso de Lugo

El transatlántico británico Titanic se hundió la noche del 14 de abril de 1912 durante su viaje inaugural hacia la ciudad de Nueva York al chocarse con un iceberg, causando la muerte de unas mil 500 personas.

Esta tragedia fue llevada a la pantalla por el cineasta James Cameron a través de la película ‘Titanic’ en 1997, con una historia basada en hechos reales al estilo de ‘Romeo y Julieta’, ya que plasmaba el romance entre Jack (Leonardo di Caprio), un joven de clase baja, y Rose (Kate Winslet), una adolescente rica, cuyos destinos se cruzaron por casualidad en ese barco.

Con información de EFE

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Gana el premio Pritzker 2024 el arquitecto japonés Riken Yamamoto

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Japón.- El arquitecto japonés Riken Yamamoto, gran defensor de los lazos comunitarios en el urbanismo, ganó el Premio Pritzker 2024 “por recordarnos que en arquitectura, como en democracia, los espacios deben ser creados por la voluntad del pueblo”, señala el jurado.

Esta es una selección de algunas de sus obras:

  1. Casa Ishii (1978 Kawasaki, Japón)
    Construida para dos artistas, esta residencia cuenta con una sala tipo pabellón con una amplia escalera que sirve como escenario para albergar actuaciones. Un muro cortina atrae la naturaleza y a los vecinos, mientras que las viviendas permanecen incrustadas debajo, lo que da como resultado una casa arraigada en el ámbito público, donde todas las áreas visibles ofrecen un umbral de oportunidades para el vecindario.
  2. GAZEBO (1986 Yokohama, Japón)
    La propia casa de Yamamoto está diseñada para invocar la interacción con los vecinos desde terrazas y tejados. El arquitecto creó umbrales arriba, dando paso a intercambios con vecinos que cultivan y se retiran respectivamente, pero juntos, de una terraza o azotea a otra.
  3. Viviendas Hotakubo (1991 Kumamoto, Japón)
    El primer proyecto de vivienda social de Yamamoto abarca dieciséis grupos de viviendas que suman 110 unidades, dispuestas alrededor de una plaza central arbolada a la que sólo se puede acceder pasando por una residencia. Inspirándose en las viviendas tradicionales japonesas machiya y oikos griegas que fomentaron el colectivismo entre los vecinos, Yamamoto propicia un paso del espacio privado al semipúblico, lo que resulta en un umbral que crea una subsociedad, permitiendo el ‘Área de la comunidad local’ y respetando al mismo tiempo la privacidad de las familias individuales.
  4. Escuela secundaria de Iwadeyama (1996 Ōsaki, Japón)
    Situada en lo alto de una colina en una región de vientos del norte, el ‘ala de viento’ mitiga las inclemencias del tiempo y también refleja la luz hacia la escuela, lo que resulta útil durante los meses de invierno.
    En el interior, el generoso atrio es el centro de la escuela y apoya la comunidad de los estudiantes. Un gran salón de usos múltiples conocido como ‘foro estudiantil’ está ubicado en el centro del segundo piso y cuenta con casilleros.
    Se sustituye una sala de profesores convencional por una sala de investigación dedicada a las especialidades de los educadores. La entrada a la escuela se hace a través de un paseo transparente sobre una plaza diseñada para evolucionan a medida que la población de la escuela se expande y disminuye con el tiempo.
  5. Universidad de Saitama (1999 Koshigaya, Japón)
    Especializada en enfermería y ciencias de la salud, esta universidad está compuesta por nueve edificios conectados por terrazas que se convierten en pasillos a través de patios y espacios verdes inclinados. Cada volumen transparente permite vistas de un aula a otra, pero también de un edificio a otro, fomentando el aprendizaje y la interacción. Todos los laboratorios están ubicados en el primer piso, potenciando las cualidades relacionales entre cada especialidad.
    Las aulas, auditorio, biblioteca, gimnasio, cafetería y las salas de profesores están ubicados en todo el campus; sin embargo, distinguir dónde termina un edificio y comienza otro es intencionalmente borroso, lo que genera un lenguaje arquitectónico propio.
  6. Estación de bomberos de Hiroshima Nishi (2000 Hiroshima, Japón)
    La fachada, las paredes interiores y los pisos de este edificio están construidos en vidrio, dándole la apariencia de un volumen totalmente transparente. Hay un atrio en el centro del edificio, donde se imparte formación y se destaca la actividad de los bomberos, alentando a los transeúntes a ver e interactuar con quienes se dedican a proteger a la comunidad, resultando en un compromiso recíproco entre los servidores públicos y los ciudadanos a los que sirven.
    La prevención de incendios y la educación pública para todas las edades son parte integral del espacio, y el vestíbulo de exposiciones y el espacio de la terraza del cuarto piso están programados para uso público.
  7. THE CIRCLE (2020 Aeropuerto de Zurich, Suiza)
    Situado entre una carretera y un gran parque, THE CIRCLE es el umbral entre el aeropuerto y la ciudad local. Demostrando un dominio diverso de la escala, un lado del edificio presenta una fachada uniforme y expansiva, mientras que el otro abre su propia ciudad que evoca las ciudades medievales de Suiza imbuidas de nuevas tecnologías evolucionadas para los estilos de vida presentes y futuros.
    Los pasillos principales, inspirados en el término alemán “gasse”, que se traduce como “callejón”, conducen a un centro de convenciones, hoteles, restaurantes, centros de bienestar, escaparates minoristas y un espacio para eventos públicos.

Con información de EFE

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